Georg Friedrich Händel

 Georg Friedrich Händel Halle,23 de febrero de 1685 – Londres, 14 de abril de 1759) fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal.¹ En la historia de la música, es el primer compositor moderno² en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público,² en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell,marcó toda una era en la música inglesa siendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio.

Georg Philipp Telemann

Georg Philipp Telemann (Magdeburgo, Alemania, 14 de marzo de 1681 –Hamburgo, Alemania, 25 de junio de 1767) fue un compositor barroco alemán, aunque su obra también tuvo características de principios del clasicismo.

Autodidacta en música, estudió leyes en la Universidad de Leipzig. Fue contemporáneo de su compadre Johann Sebastian Bach y de su amigo Georg Friedrich Händel.

Tan prolífico que nunca fue capaz de contar el número de sus composiciones, viajó mucho, absorbiendo diferentes estudios musicales e incorporándolos a sus propias composiciones. Consiguió una serie de cargos importantes, culminando con el de director de música de las cinco iglesias más grandes de Hamburgo, desde 1720 hasta su muerte, en 1767. Le sucedió su ahijado Carl Philipp Emanuel Bach

Johann Sebastian Bach

 fue un compositor, organista, clavecinista, violinista, violista, maestro de capilla y cantor alemán de música del Barroco, el miembro más importante de una de lasfamilias de músicos más destacadas de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.

Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba.

Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca; destaca en ella su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además de la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Wolfgang Amadeus Mozart pasando por Arnold Schönberg, hasta nuestros días.

Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica europea y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, El clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, Ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, laTocata y fuga en re menor, varios ciclos de cantatas, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y lasSuites orquestales.

Johann Pachelbel

Johann Christoph Pachelbel (Núremberg, Sacro Imperio, 1 de septiembre 1653 -ibídem, 3 de marzo 1706), fue un destacado compositor, clavicembalista y organista alemán del periodo barroco. Se cuenta entre los más importantes músicos de la generación anterior a Johann Sebastian Bach, de cuyo padre fue amigo. Entre sus numerosas composiciones hay que mencionar su célebre Canon en re mayor, escrito para tres violines y bajo continuo, obra que ha sido objeto de numerosas grabaciones. Además de componer una gran cantidad de obras sacras y seculares, contribuyó al desarrollo del preludio de coral y fuga, lo que le granjeó un lugar entre los compositores más importantes de la era barroca.

La música de Pachelbel gozó de mucha popularidad en su época, gracias a la cual obtuvo muchos alumnos y logró convertirse en un modelo para los compositores del sur y del centro de Alemania. La obra más conocida de Pachelbel, Canon en re mayor, fue el único canon que escribió —aunque, en realidad, el término es relativamente inexacto porque la pieza no es estrictamente un canon sino, más bien, una chaconne o una passacaille—. Además de esta pieza, su obra más conocida, se incluye entre sus composiciones la Chaconne en fa menor, la Toccata en mi menor para órgano, y el Hexachordum Apollinis, una serie de variaciones musicales al teclado.

La música de Pachelbel fue influenciada por compositores de diversos orígenes, tales como Johann Jakob Froberger y Johann Kaspar Kerll del sur de Alemania, los italianos Girolamo Frescobaldi y Alessandro Poglietti, además de compositores franceses y de la llamada tradición de Núremberg.

Pachelbel se decantaba por un estilo lúcido y sin complicaciones, haciendo especial énfasis en la claridad melódica y armónica. Comparándola con la de Dieterich Buxtehude, la música de Pachelbel era menos virtuosa y audaz armónicamente; sin embargo, el compositor experimentó con los mismos ensambles y combinaciones de instrumentos tanto en su música de cámara, como en su música vocal. Pachelbel exploró muchas técnicas y formas de variaciones musicales, dejándolas manifiestas en varias de sus obras, que fueron desde conciertos de música sacra hasta suites de clavicordios.

Arcangelo Corelli

Arcangelo Corelli (Fusignano, 17 de febrero de 1653 — Roma, 8 de enero de 1713) fue un violinista de la actual Italia y un compositor de música barroca. Nació en Fusignano (provincia de Rávena, Italia) el 17 de febrero de 1653. Era hijo de una de las familias más importantes de esta ciudad. Desde la infancia estudiaba violín en su ciudad natal. En 1666 viaja a Bolonia, donde estudia con Giovanni Benvenuti y Leonardo Brugnoli. En 1670 pasa a ser miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia. Cinco años más tarde se establece en Roma, donde fue adoptado y alojado por el cardenal Pietro Ottoboni, sobrino del papa Alejandro VIII. En Roma alcanzaría una extraordinaria fama como violinista, a la vez que perfeccionaba su técnica compositiva. Fue protegido por la reina Cristina de Suecia. En 1682 se convirtió en primer violinista de la orquesta de capilla de la iglesia de San Luis de los Franceses, la iglesia nacional de la comunidad francesa en Roma. En 1684 ingresó en la Congregazione dei Virtuosi di Santa Cecilia, el mismo año que adoptó el nombre de Arcomelo Erimanteo. Para 1700, Corelli era ya primer violinista y director de conciertos del Palacio de la Cancillería. Su fama era tal, que en 1706 ingresó en la Academia de la Arcadia, una altísima distinción en esa época, donde conoció aDomenico Scarlatti. Dos años después conocerá a Händel. Falleció en Roma el 8 de enero de1713, siendo enterrado en el panteón de la iglesia de Santa María ad martires (el Panteón de Roma).

Corelli es considerado como uno de los más grandes precursores de la sonata preclásica y el representante por excelencia del concerto grosso. La música de Corelli ejerció una gran influencia en los compositores alemanes, especialmente en Bach y Händel. Después de las de Franz Joseph Haydn, las obras de Corelli fueron las más publicadas y reeditadas de su tiempo.

Jeremiah Clarke

Jeremiah Clarke (c. 1674 – 1 de diciembre de 1707) fue un compositor y organista inglés del Barroco. Se cree que Jeremiah Clarke nació en Londres en 1674 y fue alumno de John Blow en la catedral de San Pablo. Posteriormente se convirtió en organista en la Capilla Real. "Una violenta y desesperada pasión por una señora muy bella de una clase social superior a la suya" provocó que se suicidara mediante un disparo el 1 de diciembre de 1707.Antes de dispararse a sí mismo, también consideró la posibilidad de colgarse y ahogarse. Fue sucedido en su puesto por William Croft.

Tomaso Albinoni

Tomaso Giovanni Albinoni (Venecia, 8 de junio de 1671 - ibídem, 17 de enero de1751) fue un compositor italiano del Barroco. En su época fue famoso como compositor de ópera, pero actualmente es conocido sobre todo por su música instrumental, parte de la cual se graba con regularidad. El Adagio en sol menor que se le atribuye (realmente es una reconstrucción a posteriori) es una de las piezas barrocas con más alta aceptación entre los que gustan del periodo barroco. Era hijo de Antonio Albinoni (1634–1709), un rico comerciante de papel en Venecia. Estudió violín y canto. Se sabe relativamente poco de su vida, si se tiene en cuenta su importancia contemporánea como compositor y el hecho de que vivió durante un período relativamente bien documentado. En 1694 dedicó su Opus 1 a su compatriota veneciano cardenal Pietro Ottoboni (sobrino-nieto del papa Alejandro VIII). Ottoboni era un mecenas de otros compositores en Roma, como Arcangelo Corelli. Es probable que Albinoni fuera contratado en 1700 como violinista porFernando Carlo, Duque de Mantua, a quien le dedicó su colección de piezas instrumentales Opus 2. En 1701 escribió sus muy populares suites Opus 3, y dedicó tal colección al Gran Duque Fernando III de Toscana.

En 1705 se casó. Antonino Biffi, el maestro di cappella de San Marcos de Venecia fue testigo de su boda, y evidentemente era amigo de Albinoni. Sin embargo, no parece que Albinoni tuviera ninguna otra relación con ese establecimiento que tanto destacaba musicalmente en Venecia. Logró su temprana fama como compositor de ópera en muchas ciudades de Italia, incluyendo Venecia,Génova, Bolonia, Mantua, Udine, Piacenza y Nápoles. Durante esta época compuso abundante música instrumental: antes de 1705, escribió sobre todo sonatas en trío y conciertos para violín, pero entre esa fecha y 1719 se dedicó más a sonatas para solo y conciertos para oboe.

A diferencia de la mayor parte de los compositores de su época, parece que nunca buscó un puesto en una iglesia o una corte de la nobleza, pero lo cierto es que era un hombre independiente con recursos propios. En 1722, Maximiliano II Manuel de Baviera, a quien Albinoni había dedicado un conjunto de doce conciertos, le invitó a dirigir dos de sus óperas en Múnich.

Alrededor de 1740, una colección de sonatas para violín se publicó en Francia como una obra póstuma, y los eruditos supusieron durante mucho tiempo que ello significaba que Albinoni había muerto para entonces. Sin embargo, parece que siguió viviendo en Venecia sin que haya llegado hasta nosotros ninguna composición en este último período de su vida. Un archivo de la parroquia de San Bernabé indica que Tomaso Albinoni falleció en 1751 «a la edad de 84 años» (se supone que es un error), de diabetes.

Antonio Vivaldi

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741), más conocido como Antonio Vivaldi, fue un compositor y músico del Barroco tardío. Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época.

Era apodado il prete rosso ("el cura pelirrojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, que forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concierto Soli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concierto Soli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.

Sin embargo, Las cuatro estaciones son unos conciertos para violín en los que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que éste estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el concepto de concierto. De esta manera, con la forma musical de los Concerto Soli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser considerado un Concerto Grosso, en el se establece un diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se intercambian entre un pequeño grupo de instrumentos (el concertino, a veces un único instrumento) que actúa usualmente de solista, y la orquesta (el ripieno). Llegar a este punto, sin embargo, fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y Giuseppe Torelli a los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus3 N11 en re menor, donde se presenta un maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines, viola, violonchelo y continuo). Así, Las cuatro estaciones representan el Concerto Soli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros, Beethoven, extiende la influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de Vivaldi.

Jean-Joseph Mouret

Jean-Joseph Mouret fue un compositor francés cuyas obras dramáticas han hecho de él uno de los principales exponentes de la música barroca en su país. A pesar de que la mayoría de sus obras ya no se realizan, el nombre mouret sobrevive hoy gracias a la popularidad de la fanfare-rondeau desde su primera suite de sinfonias.

Su padre era un prospero comerciante de sedas de avignon, un violinista aficionado que reconoció a su hijo habilidades musicales precoces y le proporcionó una buena educación. En su juventud demostró ser un cantante con talento y empezaba a tener éxito con sus composiciones.

Alrededor de los 25 años se instaló en París.

También en 1714 Mouret recibió un nombramiento como director de la orquesta de la Opéra, cargo que ocupó Mouret se casó y tuvo una hija. Sin embargo, sus últimos años fueron opacados por las decepciones financieras y sociales. El hundimiento en la pobreza, Mouret murió en un asilo de caridad dirigido por la Iglesia Católica Romana en Charenton-le-Pont.hasta 1718

Marc-Antoine Charpentier

Marc-Antoine Charpentier (París,1643 - ibídem, 24 de febrero de 1704) fue un compositor delBarroco francés.

Fue un compositor prolífico y versátil, produciendo música de la más alta calidad en distintos géneros. La maestría de su composición en la música religiosa vocal fue reconocida por sus contemporáneos.

Curiosamente, llegó al gran público del siglo XX a través del "Te Deum" H 146 (En tonalidad de Re Mayor), cuyo preludio, un rondó, ha servido de cabecera o sintonía para los programas televisivos distribuidos a través de la red de Eurovisión y especialmente conocido por ser precisamente la apertura del Festival de Eurovisión

"Nació en París y en un principio su vocación fue la de pintor. Se trasladó a Italia para estudiar y allí conoció al compositor Giacomo Carissimi, que influyó en él de tal manera que decidió dedicarse a la música. Permaneció en Roma durante varios años estudiando composición. Cuando volvió a París a principios de la década de 1670, trabajó con Molière y Corneille en varias obras de teatro. Había una rivalidad patente entre Charpentier y Jean Baptiste Lully, que ejercía una abrumadora influencia en la corte, especialmente en el campo de la composición teatral y la operística. Vista desde nuestra perspectiva, la obra de Lully era más dinámica y original, mientras que la de Charpentier poseía mucho carácter y encanto. En la década de 1680 fue compositor y director musical para la princesa de Guisa. En 1698, a sus 55 años fue nombrado director de música en la Sainte Chapelle de París. Compuso óperas, misas y canciones, y fue admirado por la elegante estructura de sus obras, influidas por sus primeros estudios en Italia. Su obra más conocida e interpretada en la actualidad es su Te Deum, en la que desempeñan un importante papel las trompetas. (Arte musica e ideas.WilliamFleming)

Claudio Monteverdi

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (Cremona, 15 de mayo de 1567-Venecia,29 de noviembre de 1643) fue un compositor, gambista y cantante italiano.

Marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Es la figura más importante en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco.

Inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri, maestro de capilla de la Catedral de Cremona, y a los 15 años publicó sus primeras obras. Entre 1587 y1638 publicó ocho colecciones de madrigales, en los que muestra su dominio de la técnica madrigalista. Combina las escrituras homofónica y contrapuntística, donde utiliza libremente armonías y disonancias.

En 1599 se casó con Claudia de Cataneis, que murió en 1607 y en ese mismo año se estrenó Orfeo, favola in musica, su primer drama musical, considerado la primera ópera de la historia, como la entendemos hoy día.

Su siguiente ópera Arianna (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso "Lamento", consolidó su fama.

En 1613 fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, ciudad en la que compuso la mayoría de su obra sacra. Para inaugurar el primer teatro de esta ciudad, compuso más óperas.

Nacido en Cremona en el seno de una familia humilde, hijo de un barbero que ejercía la medicina de manera ilegal. Estudió música con el famoso teórico veronés Marco Antonio Ingegneri, entonces maestro de capilla de la catedral, que accedió a enseñar al niño y a su hermano, Giulio Cesare, las claves de la polifonía renacentista. Claudio reveló pronto un inmenso talento. A los 15 años, en 1582, Monteverdi compuso su primera obra, un conjunto de motetes tripartitos, y en 1605 ya había compuesto cinco libros de madrigales, donde se aprecia una evolución desde texturas suaves en los primeros dos libros (1587 y 1590) con influencias de Luca Marenzio, a un planteamiento más disonante e irregular que potencia el significado de cada palabra en los libros tercero y cuarto (1592y 1603) con influencias de Giaches de Wert, fallecido en 1596, al que conoció cuando trabajaba como cantante y gambista, para el duque de Mantua, Vincenzo I Gonzaga en 1592. Monteverdi comenzó a interesarse por los dramas musicales experimentales de Jacopo Peri, director musical en la corte de la familia de los Médicis, y por obras similares de otros compositores de la época. En1599 se casó con Claudia de Cataneis, hija de un intérprete de viola.En 1607 se estrenó Orfeo, favola in musica, su primer drama musical surgido de la colaboración del músico con Alessandro Stringgio, autor del texto y funcionario de la corte del duque de Mantua. Esta ópera, superior en estilo a las escritas hasta el momento, representa tal vez la evolución más importante de la historia del género, imponiéndose como una forma culta de expresión musical y dramática. A través del hábil uso de las inflexiones vocales, Monteverdi intentó expresar toda la emoción contenida en el discurso del actor, alcanzando un lenguaje cromático de gran libertad armónica. La orquesta, muy ampliada, era utilizada no sólo para acompañar a los cantantes, sino también para establecer los diferentes ambientes de las escenas. La partitura de Orfeo contiene catorce partes orquestales independientes. El público aplaudió esta ópera con gran entusiasmo y su siguiente óperaArianna, de 1608, cuya música se ha perdido, excepto el famoso Lamento de Ariadna, consolidó la fama de Monteverdi como compositor de óperas. El lenguaje armónico de este compositor ya había suscitado fuertes controversias. En 1600 el canónigo y compositor boloñés Giovanni Maria Artusi publicó un ensayo atacando, entre otros, dos de sus madrigales por sobrepasar los límites de la polifonía equilibrada, objetivo de la composición renacentista. Monteverdi se defendió en un escrito publicado en 1607, en el que argumentaba que, mientras el estilo antiguo, que él denominaba prima prattica, era adecuado para la composición de música religiosa (y él así lo hizo durante muchos años), la seconda prattica, donde "las palabras son dueñas de la armonía, no esclavas", era más apropiada para los madrigales, composición en la que resultaba vital poder expresar las líneas emocionales del texto. El gran logro de Monteverdi como compositor de óperas fue combinar el cromatismo de la seconda prattica con el estilo monódico de la escritura vocal (una línea vocal florida con un bajo armónico simple) desarrollado por Jacopo Peri y Giulio Caccini. En 1613 se le nombró maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, uno de los puestos más importantes de aquella época en Italia. También se le nombró maestro de música de la Serenísima República de Venecia. Desde ese momento compuso numerosas óperas (muchas de ellas se han perdido), motetes, madrigales y misas.

Para componer música religiosa, Monteverdi utilizaba gran variedad de estilos que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales (derivadas de los predecesores de Monteverdi en Venecia Andrea y Giovanni Gabrieli) de sus Vísperas, asimismo de 1610, tal vez su obra hoy más famosa.

La obra Selva morale e spirituale, publicada en 1640, es un enorme compendio de música sacra donde vuelve a apreciarse toda la gama de estilos que usaba Monteverdi. En sus libros sexto, séptimo y octavo de madrigales (1614-1638) se alejó aún más del ideal renacentista polifónico de voces equilibradas y adoptó estilos más novedosos que enfatizan la melodía, la línea del bajo, el apoyo armónico y la declamación personal o dramática.

En 1637 fue inaugurado el primer teatro de la ópera y Monteverdi, estimulado por la entusiasta acogida del público, compuso una nueva serie de óperas, de las cuales sólo conocemos Il ritorno d'Ulisse in patria (El regreso de Ulises a la patria ) de 1641 y L'incoronazione di Poppea (La coronación de Popea) de 1642. Estas obras, compuestas al final de su vida, contienen escenas de gran intensidad dramática donde la música refleja los pensamientos y las emociones de los personajes. Estas partituras han influido en muchos compositores posteriores y todavía se mantienen en el repertorio actual.

Monteverdi falleció el 29 de noviembre de 1643 en Venecia, dejando una extensa obra que influiría en toda la música posterior. Tras celebrarse simultáneamente solemnes exequias en la Catedral de San Marcos y en Santa Maria dei Frari, sus restos fueron enterrados en esta última.

Jean Baptiste Lully

Jean Baptiste Lully (Florencia, Italia, 28 de noviembre de 1632 - París, 22 de marzode 1687) fue un compositor francés de origen italiano, creador de la ópera francesa que consistía en una compleja puesta en escena que incorporaba ópera con estética francesa, además de ballet y profundos textos literarios a los que bautizó como "Tragedias musicales. Nació en Florencia (Italia). Su nombre, antes de que se naturalizara francés, era Giovanni Battista Lulli. Sus padres fueron Lorenzo Lulli y Caterina. Es de suponer que la casa pertenecía a su abuelo materno, un molinero. En 1638 muere su hermano mayor Vergini; en octubre 1639 su hermana Margherita. Con siete años Jean-Baptiste queda como el único hijo de sus padres. Jean-Baptiste recibió su educación con un monje franciscano que le dio las primeras lecciones de música.

Viajó a Francia con 10 años tras llamar la atención del Caballero de Guisa. Tras su llegada a Francia en marzo 1643, entró como ayuda de cámara al servicio deMademoiselle de Montpensier, que deseaba perfeccionar sus conocimientos de la lengua italiana.

A la edad de 13 años, ya manifestó dotes para la música, y aprendió a tocar el violín. Luego se reveló como un excelente bailarín y entró a formar parte de la Grande Bande des Violons du Roi, compuesta por veinticuatro violines. En 1653, Lully bailó con el rey en el Ballet de la Nuit.

En 1652, con 20 años, entró al servicio de Luis XIV como bailarín de ballet y violinista. Más tarde dirigió una de las orquestas reales y en1662 fue nombrado director musical de la familia real. Sobresalía por entonces como violinista, director y compositor. A los 29 años se había casado con la hija de Michel Lambert, compositor y alto funcionario de la Corte.

Obtuvo rápidamente la dirección de una nueva orquesta: La Bande des Petits Violons. Perfectocortesano y hábil hombre de negocios, muy pronto se convirtió en el primer compositor de la corte, y sus aires y ballets consagraron su reputación. Apoyado por Luis XIV, llegó a sercompositor de cámara y finalmente Superintendente de la Música de Su Majestad.

Naturalizado francés en 1661, se casó algunos meses después con Madeleine Lambert, con quien tuvo seis hijos, y cuyo padre era el director musical de Mademoiselle de Montpensier.

A partir de 1664, trabajó regularmente con Molière, con quien creó un nuevo género: la comedia ballet, sin renunciar por ello al ballet cortesano de manera definitiva.

Cortesano astuto, consiguió mantener el favor real a lo largo de toda su vida, lo que le permitió manejar la suerte de otros compositores franceses. Compuso ballets, como Alcidiane (1658), para la corte, que en ocasiones él mismo interpretaba ante el rey. En colaboración con el escritor francés Molière (Jean Baptiste Poquelin) compuso una serie de ballets cómicos, como Les fâcheux (1661). En 1672 consiguió mediante intrigas el puesto de director de la «Académie royale de musique» y a partir de ese momento volcó su atención en la ópera. El compositor ya había conseguido un título de nobleza y se había hecho con numerosas propiedades en París y en sus alrededores. Sus óperas (a las que denominó tragédie lyrique) estaban basadas en las tragedias clásicas de sus contemporáneos, los dramaturgos franceses Pierre Corneille y Jean Baptiste Racine. Excepto en Psique (1678),Belerofonte (1679) y Acis y Galatea (1686), su libretista fue el poeta Philippe Quinault. Desde el punto de vista musical, sus óperas son solemnes y majestuosas, con un énfasis especial en la claridad del texto y las inflexiones de la lengua francesa. Sus elaborados espectáculos de danza y los coros de gran majestuosidad tienen su raíz en el ballet de cour (ballet cortesano). Las óperas de Lully contrastan con el estilo italiano de ópera de la época, en donde se daba prioridad al lucimiento del cantante. Entre sus obras cabe citarPerseo (1682), Amadís de Gaula (1684) y la ya mencionada Acis y Galatea.

La importancia de Lully reside en las mejoras que impuso. En la ópera francesa abandonó el recitativo secco y lo sustituyó por un recitativo acompañado de bajo continuo. En los ballets, introdujo danzas más rápidas que las que se interpretaban. También estableció la forma de obertura francesa. Lully evolucionó desde su fidelidad inicial al estilo de sus compatriotas Luigi Rossi o Francesco Cavallihasta una perfecta asimilación y desarrollo del estilo y del gusto franceses.

Lully llegó a dominar todo el ámbito musical en Francia en la época de Luis XIV, el Rey Sol. Fue creador de diversas formas musicales, que organizó o ideó, como la «tragédie lyrique», el gran motete y la obertura a la francesa. Su influencia sobre el conjunto de la música europea de su tiempo fue inmensa debido al importante número de discípulos franceses y extranjeros que llegó a tener.

Enfrentó un escándalo del que salió bien librado al revelarse sus tendencias bisexuales en un oscuro caso que involucró al paje de un marqués. El rey lo defendió, pero se sabe que en privado lo reprendió y le instó a cambiar de costumbres.

Compró a Perrin en 1672 el privilegio de la «Académie royale de musique». Colmado de honores y riquezas, compuso por lo regular una ópera anual, sometiendo con su autoridad a todos los compositores dramáticos de su época, como Marc-Antoine Charpentier, André Campra, Clérambault, gracias a una orden del rey que limitaba el número de instrumentos y cantantes por composición musical a todo el que no solicitara un permiso expreso de Lully en caso de que quisiera componer para más de lo establecido.

En 1681, Lully alcanzó el cenit de su carrera, al convertirse en secretario del rey. Murió por una gangrena en París, en 1687, a consecuencia de una herida que se hizo en el pie con su bastón de director de orquesta, una pesada barra de hierro que servía para llevar el compás golpeando el suelo con ella; esto le provocó una infección que acabó lentamente con su vida, ya que su pensamiento de ser bailarín impidió cortar su pierna para poder salvarse.La fama de Lully se debe principalmente a su contribución a la música religiosa y escénica.

Giovanni Gabrieli

Giovanni Gabrieli (c.1554/1557-12deagosto1612)era un italiano compositor y organista . Fue uno de los músicos más influyentes de su época, y representa la culminación del estilo de la escuela veneciana , en el momento del cambio de Renacimiento para barroco modismos. Gabrieli nació en Venecia . Fue uno de los cinco hijos, y su padre era originario de la región de Carnia y se fue a Venecia poco antes del nacimiento de Giovanni. Aunque no se sabe mucho sobre la vida temprana de Giovanni, que probablemente estudió con su tío, el compositor Andrea Gabrieli , sino que de hecho pueden haber sido criado por él, como está implícito en la dedicación a su 1587 libro de los conciertos, en la que se describe como "poco menos que un hijo" a su tío.Él también fue a Munich para estudiar con el renombrado Orlando de Lassus en la corte del duque Alberto V , probablemente se quedó allí hasta cerca de 1579. Lassus iba a ser una de las influencias principales en el desarrollo de su estilo musical.

En 1584 había regresado a Venecia, donde se convirtió en organista principal de la Basílica de San Marcos en 1585, después deClaudio Merulo dejó el cargo, tras la muerte de su tío, al año siguiente asumió el cargo de director y compositor. También después de la muerte de su tío comenzó a editar la mayor parte de la música del hombre mayor, que de otro modo se habría perdido; Andrea evidentemente había tenido poca inclinación a publicar su propia música, pero la opinión de Giovanni de ella fue lo suficientemente alta que dedicó gran parte de su tiempo a la compilación y edición para su publicación.

Gabrieli carrera se elevó aún más cuando tomó el nuevo puesto de organista en la Scuola Grande di San Rocco , otro cargo que mantuvo durante toda su vida. San Rocco fue el más prestigioso y rico de todas las cofradías venecianas, y sólo superado por el propio San Marcos, en el esplendor de su creación musical. Algunos de los cantantes e instrumentistas más famosos de Italia y allí realizó una vívida descripción de su actividad musical sobrevive en las memorias de viaje del escritor Inglés Coryat Thomas . Gran parte de su música fue escrita específicamente para esa ubicación, aunque probablemente compuesto aún más para San Marco.

San Marco tenía una larga tradición de excelencia musical y el trabajo Gabrieli allí hizo de él uno de los compositores más notables de Europa. La moda que comenzó con su influyente volumen Sacrae Symphoniae (1597) era tal que los compositores de toda Europa, especialmente de Alemania, llegó a Venecia a estudiar. Evidentemente, también hizo sus nuevos alumnos estudian los madrigales que se escriben en Italia, por lo que no sólo llevan a la espalda del gran estilo veneciano polychoral a sus países de origen, sino también el estilo más íntimo de madrigales, Heinrich Schütz y otros ayudaron a transportar la transición temprana La música barroca al norte de Alemania, una tendencia que afectaron de manera decisiva la historia de la música posterior. Las producciones del barroco alemán, que culminó con la música de JS Bach , se fundaron en esta tradición, que tuvo sus raíces en Venecia.

Gabrieli era cada vez menos al cabo de 1606, en el que las autoridades eclesiásticas tiempo comenzó a nombrar sustitutos para hacerse cargo de tareas que ya no podía llevar a cabo. Murió en 1612, por complicaciones de un cálculo renal.

Palestrina

Giovanni Pierluigi da Palestrina (Palestrina, 1525 - Roma, 1594) fue un compositoritaliano, de los más célebres del Renacimiento. De joven, formó parte del coro de la basílica romana de Santa María la Mayor. Posteriormente, fue organista en la catedral de su ciudad natal. Cuando el obispo de Palestrina accedió al trono papal con el nombre de Julio III, le nombró maestro del coro de la Cappella Giulia del Vaticano. Al año siguiente publicó su primer libro de misas. Un papa posterior, Paulo IV, lo destituyó de su cargo, según algunos por juzgar inapropiada su condición de casado, según otros por haber escrito madrigales, piezas de carácter profano.

En 1555 fue nombrado sucesor de Orlando di Lasso como maestro de capilla de San Juan de Letrán, donde en 1560 escribió sus Lamentaciones. Pasó con el mismo cargo a Santa María la Mayor en 1561, y en 1563 publicó su primer libro de motetes.

Palestrina se mostró siempre insatisfecho con las reformas de la liturgia sacra dictadas por elconcilio de Trento, las cuales convirtieron en no canónicas a algunas de sus misas y otras obras tempranas, salpicadas de interposiciones profanas ajenas al texto oficial. Por este motivo dimitió de su cargo para pasar al servicio del cardenal Hipólito II de Este, que mantenía su propia capilla. Finalmente volvió a la dirección de la Cappella Giulia, donde terminó sus días en el cargo creado para él de «Compositor de la Capilla Papal».

Por otra parte, Palestrina es visto como el autor más representativo de obras polifónicas ajustadas a las nuevas exigencias de laContrarreforma. Sus obras de esos años destacan por la claridad lograda, dejando la melodía en manos de la voz superior y ajustando con precisión el ritmo del discurso. Con razón, se considera con admiración la belleza lograda por Palestrina.

De sus 104 Misas, más de 70 están compuestas sobre el cantus firmus de melodías gregorianas. Quizás la mejor de ellas sea la Missa Papae Marcelli en la cual realiza una síntesis del estilo de sus predecesores y contemporáneos. De sus motetes son célebres, además de los Improperia, los 29 motetes sobre el texto del Cantar de los Cantares de Salomón. Está considerado como uno de los más eminentes autores de música religiosa católica.

Gregorio Allegri

Gregorio Allegri (1582 - 17 de febrero de 1652) fue un italiano compositor de la escuela romana y hermano de Domenico Allegri , era también un sacerdote y un cantante. Él vivió principalmente en Roma , donde más tarde moriría.

Estudió música como una puer (niño corista) en San Luis de los Franceses , bajo elmaestro di capella Giovanni Bernardino Nanino , hermano de Giovanni Maria Nanino . Al estar destinado a la Iglesia, obtuvo un beneficio en la catedral de Fermo . Aquí compuso un gran número de motetes y música sacra de otro tipo, que, al ser puestas en conocimiento del Papa Urbano VIII , obtuvo para él una cita en el coro de la Capilla Sixtina en Roma con la contralto papel. Ocupó este desde 06 de diciembre 1629 hasta su muerte. Como Andrea Adami escribió, en su carácter, Allegri fue considerado como singularmente puro y benevolente.

Entre las composiciones musicales de Allegri fueron dos volúmenes de conciertos para cinco voces, publicados en 1618 y 1619, dos volúmenes de motetes para seis voces, publicado en 1621, una edición de cuatro partes sinfonia , cinco misas , dos ajustes de lasLamentaciones de Jeremías , así como numerosos motetes que no se publicaron durante su vida. Fue uno de los primeros compositores para instrumentos de cuerda , y Atanasio Kircher ha dado una muestra de esta clase de sus obras en su Musurgia. La mayoría de la música publicada Allegri está en el más progresista barroco temprano concertato estilo, especialmente la música instrumental. Sin embargo, su trabajo en la Capilla Sixtina es descendiente del estilo de Palestrina, y en algunos casos elimina incluso este estilo refinado y simple de todo ornamento. Se le atribuye el primer cuarteto de cuerda.